Compositor: John Debney (1956)
Año de composición: 1997
Fecha de salida:
Discográfica: Promotional Release
Referencia: JDCD 006
Tracks:
1.The Relic 04:58
2.Searching/First Attack 02:25
3.Dark Hallway/The Jumper 01:28
4.Grisly Discovery 01:58
5.Tunnels 04:04
6.Exhibit Preview 02:35
7.Lights Out 02:47
8.Stairway To Hell 01:10
9.Patrons Arrive 01:18
10.SWAT Team Attack 04:48
11.Hormones 01:08
12.Setting The Trap 02:34
13.Face To Face 06:04
14.Theme From "The Relic" 05:27
Total: 00:42:44
Créditos
Música compuesta y dirigida por John Debney.
Orquestaciones de Brad Dechter, Frank Bennett, Don Nemitz.
Album producido por Mick Stern, Ford A. Thaxton.
Referencias
The Relic (1997)
Película dirigida por Peter Hyams.
Interpretada por Penelope Ann Miller, Tom Sizemore, Linda Hunt, James Whitmore, Clayton Rohner, Chi Muoi Lo, Thomas Ryan, Robert Lesser, etc.
Compositor: John Debney (1956)
Año de composición: 2004
Fecha de salida: 2004-02-24
Discográfica: Sony Classical
Impresor: Sony Music (USA)
Referencia: SK 92046
Tracks:
1. The Olive Garden 1:57
2. Bearing the Cross 3:43
3. Jesus Arrested 4:37
4. Peter Denies Jesus 1:59
5. The Stoning 2:25
6. Song of Complaint 1:33
7. Simon Is Dismissed 2:25
8. Flagellation / Dark Choir / Disciples 5:54
9. Mary Goes to Jesus 2:47
10. Peaceful but Primitive / Procession 3:36
11. Crucifixion 7:38
12. Raising the Cross 2:13
13. It Is Done 3:37
14. Jesus Is Carried Down 4:40
15. Resurrection 5:04
Total: 54:09
Créditos
Música compuesta por John Debney.
Orquestaciones de Brad Dechter, Mike Watts, Frank Bennett y Jeff Atmajian.
Dirigida por Nick Ingman.
Coros de London Voices y The Transylvania State Philharmonic Choir.
Músicos solistas destacados: Gavyn Wright (violín concertino), Ron Allen (flauta), Chris Bleth (duduk, flautas étnicas), Levon Minassian (duduk), Pedro Eustache (flautas étnicas), Shankar and Ginger (voces, violín doble), Karen Han (er-hu), Jan Hendrickse (flauta de bambú), Naser Mousa (oud), Martin Tillman (violoncelo eléctrico), Tanya Tsarouska (voz), Ahmed El-Eshmer (voz), John Debney (voz, sintetizadores) y Mel Gibson (voz).
Orquesta y coro contratados por Isobel Griffiths.
Grabada por Simon Rhodes.
Mezclada por Shawn Murphy.
Masterizada por Patricia Sullivan-Fourstar.
Album producido por John Debney y Mel Gibson.
Reseñas
Está claro que lo primero que piensa una persona que accede a una reseña sobre la Pasión de Cristo es que el critico que la llevara a cabo es una persona o muy cristiana, o muy atea... no hay termino medio en cuanto a la religión.
No es mi caso, y es bueno dejarlo claro desde un principio. Como persona tengo mis creencias que son personales y son muy claras, pero como tales no intento difundirlas y menos imponerlas. Solo expondré mi pensamiento ante una partitura que aunque pueda ser polémica, al igual que la película a la que da música, no se beneficiara para nada de mas polémica aun con mi estudio.
Desde ahora dejo claro al lector que eliminaré toda referencia a los problemas, polémicas y malentendidos que ha tenido esta cinta antes de su estreno y durante. No me interesan lo mas mínimo, pues no condicionan para nada el trabajo de Debney ni el de Gibson. El mensaje que intentan transmitir los dos creativos es muy claro y este es el que comentaremos. Pero antes de nada una serie de preguntas ¿No es la persona, o el creativo libre de emitir una opinión personal a través de su trabajo? ¿Y no es su publico, o el publico general libre de estudiar o no esta obra?
Si quieres conocer la situación política de la época pulsa sobre el siguiente enlace:GUÍA PARA ENTENDER LA SITUACION POLITICA EN LA PASIÓN DE CRISTO por Julia Saiz.
LA ORACION DEL HUERTO
“Salió y fue, según su costumbre, al monte de los Olivos. Sus discípulos lo acompañaban. Cuando llegó al lugar, les dijo: “Orad para no caer en la tentación”. El se apartó de ellos como un tiro de piedra, se arrodilló y se puso a orar diciendo: “Padre, si quieres, aleja de mi este cáliz, pero no se haga mi voluntad, sino la tuya”. Lucas 39 - 43
Las primeras imágenes de la poderosa cinta de Mel Gibson parten de estas escenas del Huerto de Getsemani. Las tonalidades azuladas de su fotografía y de una excelente iluminación se pegan a la visión del espectador desde un primer momento. Gibson cierra el plano lentamente hasta centrarlo en su indiscutible protagonista, debatido por los horrores de un mundo lleno de pecados, y su futuro, un futuro terrorífico que buscara redimir al mundo a través de su sacrificio, de toda esta maldad humana. Es en este momento cuando Jesús contempla todo lo que ocurrirá, de ahí que se perciba una señal inequívoca de debilidad, una debilidad entendible a sabiendas de lo que Cristo perderá en el camino futuro.
Es por eso que de nuevo los evangelios nos describen el sufrimiento de Jesús en estos especiales momentos de reflexión:
“Entro en agonía, y oraba mas intensamente, sudaba como gotas de sangre que corrían por el suelo”. Lucas 44-45
Muchas personas han malinterpretado estas líneas pensando en verdaderas gotas de sangre en vez de sudor cayendo por la frente de Jesús. El evangelio es claro al utilizar la palabra “como”. Gibson describe a un Cristo sudoroso que se debate en una continua lucha.
Una interpretación extraña por parte de Gibson es la siguiente:
“Y se le apareció un Angel del cielo reconfortándolo”. Lucas 43-44
Gibson introduce la aparición de un ángel, si, pero un ángel caído, el mismo Satán, que más que reconfortarlo lo ayuda indirectamente a confirmarse mas en su fe, y en la palabra de Dios. Satán por primera vez se nos aparece en la película, un ser recurrente que se intercalara con imágenes de señales divinas, pues Jesús no esta solo en este tortuoso camino.
Satán esta interpretado por una mujer Rosalinda Celentano (hija de Adriano Celentano) con voz de hombre, en una imagen muy próxima a la de La Muerte de “El Séptimo Sello” en la mítica película de Ingmar Bergman.
El Diablo, Satán, le pregunta por su padre, y por su fiereza ante la misión que se le asigna, su futilidad en poder defender a toda la humanidad de un peso tan contundente como es el pecado universal. Una serpiente es la metáfora de la tentación, del camino de la debilidad que Cristo podría tomar para evitar todo lo que le conduce a su padre. Jesús en un acto de valentía pisa a la serpiente y rechaza una salida fácil a toda su misión.
Gibson nos muestra toda la escena utilizando recursos propios de una película de terror, con una atmósfera densa y unas apariciones de Satán que ponen los pelos de punta por su evidente ambigüedad.
Debney empieza su trabajo, y su edición discográfica con el tema “The Olive Garden” utilizando recursos musicales necesarios para aumentar la atmósfera opresiva de las imágenes. El lamento de Jesús esta representado por una voz femenina (Tanya Tsarouska) que dispersa su tonalidad melancólica por toda la parte central del tema. El resto se deja a la estupenda mano musical del Duduk que en esta partitura tiene un protagonismo pleno.
PRENDIMIENTO DE JESUS
“Aún estaba hablando cuando apareció un gran tropel de gente encabezado por el llamado Judas, uno de los doce, el cual se acercó a Jesús para besarlo. Jesús le dijo: “Judas, ¿Con un beso entregas al hijo del hombre?”. Lucas 47 – 49
“Entonces Simón Pedro, que tenia una espada, la sacó, dio un golpe al criado del sumo sacerdote y le cortó la oreja derecha. El criado se llamaba Malco. Jesús dijo a Pedro: “mete la espada en la vaina; ¿es que no tengo que beber el cáliz que me da el Padre?” Juan 10 - 12
“Uno de ellos dio un golpe al criado del sumo sacerdote y le cortó la oreja derecha. Jesús dijo: “¡Basta ya! ¡Dejad!” Y tocando la oreja lo curó”. Lucas 50-52
Gibson es muy fiel a los evangelios a lo largo de toda la película, pero mucho mas en el prendimiento a Jesús. Muchos han obviado el milagro evidente en la sanación de Malco, al perder este la oreja derecha. La escena es parecida a la resurrección al utilizar la sutilidad y la naturalidad para exponer hechos que son totalmente sobrenaturales. Durante el metraje, solamente la oscuridad sobrenatural que aporta Satán es vista por los ojos del espectador con un ligero tono explícito, bueno, eso sin contar claro esta todo el camino de tortura que padece Cristo hasta llegar a la cruz, algunos aproximándolo al genero “gore”.
“Jesús Arrested” es el tercer tema del compacto, y es el corte que Debney utiliza para representar este prendimiento de Cristo. Los sonidos utilizados son bastante insólitos en el compositor, pues una escena que perfectamente podría tener música de “acción” es utilizada de forma magistral por el músico, creando una atmósfera evocadora que plantea perfectamente los puntos que Debney va a llevar a cabo durante el resto de su composición. La lamentación (esta vez por la traición de Judas), ya sea en la voz de una mujer como en la de un hombre, esta presente en los más difíciles momentos de Cristo, y le acompañara en menor o mayor intensidad dependiendo de las escenas.
La flauta establece unas escaleras sonoras que se pierden raudamente entre una percusion creciente, la cual cede abruptamente a un pequeño silencio a la mitad del tema. Es en ese momento cuando Jesús cura a Malco, ante la mirada incrédula de este. Ciertamente es el Mesías, y lo que se hará con él es una equivocación en toda regla, pero ¿Qué puede decir en contra el mero criado de Caifás?
El tema cierra con unos sonidos tenebrosos, en cierta manera a causa del destino incierto de Jesús, como la condena eterna de Judas que vive terroríficas visiones concedidas gratuitamente por Satán, al negar la palabra de Dios. Al fin y al cabo Judas es una pieza del tablero, un ser aquejado de debilidades, un ser humano con una débil moral, y es así como nos lo presenta Gibson, intentado ver su humanidad, mas que su maldad.
JESUS FRENTE A ANAS Y CAIFAS. NEGACIONES DE PEDRO.
“Ciafás era el que había asegurado a los judíos: “Conviene que muera un hombre por el pueblo.” Juan 14-15
Pedro dijo: “Señor, ¿Por qué no puedo seguirte ahora? Yo daré mi vida por ti”. Jesús le contestó “¿Qué darás tu vida por mí? Te aseguro que no cantará el gallo antes que tu me niegues tres veces.13, 37-38.
El Juicio de Jesús, si existió fue a todas luces irregular. Primero los testigos debieron de testificar por separado. Un proceso criminal no podía terminar el mismo día que había comenzado y mucho menos en la víspera del sábado y de noche, en casa de Caifás el sumo sacerdote, que tampoco podía tomar parte de los testimonios. Lo normal era reunirse en la casa del Consejo y no en la de Caifás.
Con todo esto, la deliberación no existe y se toma solamente la afirmación de Caifás para sentar una sentencia, una sentencia a muerte.
Esta claro que todo esto esta perfectamente reflejado por Gibson en las imágenes de la película. Pero más que estas irregularidades la sensación que nos da el consejo del Sanedrín es la de, y perdónenme la expresión, una casa de putas. Es entendible la reacción de algunos grupos de judíos hacia la película, y es que estas imágenes deja a sus antepasados sumidos en una descontrol irracional propio de los primates. ¿Dista mucho la impresión que da Gibson del Sanedrín de lo que podría haber sido su verdadero funcionamiento en el pasado? Por supuesto que no. Solo hay que ver los grupos políticos, demasiados, que querían controlar la vida en Jerusalén a pesar de estar gobernados por los Romanos. Sin duda, la visión de Gibson no distaría mucho de la real.
La música de Debney se centra en la negación de Pedro. Pedro niega (tal y como se lo había confesado Jesús) tres veces a su maestro en la propia casa de Caifás, antes de que cantara el gallo, con tal de salvar su vida. El tema es “Peter Denies Jesús” y utiliza por primera vez el leit-motiv de Jesús, un concepto musical que esta lleno de delicadeza, humanidad, sabiduría, nostalgia, belleza, y por supuesto tragedia. Es un tema perfecto para definir a Jesús y toda su Pasión. Debney utiliza la música para predecir el temible camino al calvario que sufrirá Jesús, despuntando la irracionalidad de una población que torturaba sin una razón evidente a un ser humano en plena casa de Caifás.
Es la primera vez que Gibson utiliza esta sinrazón para ponernos los pelos de punta y aun nos falta lo peor.
LA FLAGELACION
“Entonces Pilato mandó azotar a Jesús. Los soldados trenzaron una corona de espinas, se la pusieron en la cabeza, le vistieron un manto de púrpura; se acercaban a el y le decían: “¡Viva el rey de los judíos!” y le daban bofetadas”. Juan 19, 1-3
Antes de la Flagelación asistimos a lo que muchos consideraran lo mas aburrido de la película (que no tiene por que serlo), que es el traslado de Jesús de Pilato a Herodes y de nuevo a Pilato. Durante estas escenas la música es muy incidental y por lo tanto no es nada destacable. Aquí los diálogos están calcados de los evangelios y son los verdaderos protagonistas. Se describe estupendamente el tira y afloja que mantiene la población Judía y la Romana gobernada por Pilato. Este se muestra como un dirigente mas humano que de costumbre pero sobre todo un gobernante con poco poder decisorio que ve su futuro en Roma, dependiente de Cesar. Así Pilato intenta salvar a Jesús utilizando la liberación Pascual (se liberaba a un preso que no tenga delitos de sangre), y dando elegir al pueblo judío entre el y Barrabas un asesino despiadado y para nada querido por el pueblo. Tal es la vehemencia del Sanedrín por matar a Jesús, que piden la liberación de Barrabas. Pilatos, aun no contento con la contestación del pueblo, manda azotar a Jesús, pero no crucificarlo, como pedía el pueblo.
La flagelación es tal vez una de las escenas más poderosas a nivel visual de toda la cinematografía que ha dado el hombre. No estoy exagerando. Mel Gibson obvia cualquier traducción, cualquier subtítulo, y deja todo a manos de una perfecta planificación de imágenes y música. Tal es la impresión de toda esta escena que aquel que se muestre impasible viéndola, no será de este planeta. Dejemos afuera cualquier sentimiento, pasión, o creencia. La tortura de un ser humano es a todas luces demencial, y esto es lo que nos describe Gibson en estas escalofriantes imágenes, que para el que escribe, son superiores a la crucifixión (aunque estas también sean un alarde de dirección).
Así la música de Debney se muestra en un segundísimo plano, enfatizando en algunos momentos los demenciales movimientos de los flagelos al desgarrar la carne. La aparición de la virgen da una tonalidad mucho más melódica al conjunto, una música necesaria para contrastar con el espectáculo dantesco al que asistimos. Gibson en un alarde de dirección bifurca la acción a un paseo de la virgen para no ver la tortura de su hijo, mientras el espectador es consciente, a través del sonido de los latigazos y de los gritos, de la tortura a la que esta siendo sometida Jesús.
Si aun no tuviéramos bastante con la inesperada aparición de Satán se le une un magnifico flashback a través de la sandalia de un verdugo.
Después de la flagelación la virgen con un manto que le ha dado Procula, la concubina de Pilato, limpia la sangre que ha derramado Jesús en su tortura. María Magdalena le ayuda con el manto que recoge su pelo, produciéndose un nuevo Flashback. Este se presenta con un magnifico plano donde se ve a Jesús describiendo una línea en el suelo con la ayuda de una piedra. Por la parte izquierda del mismo podemos ver como María Magdalena se arrastra para tocar los pies de Jesús. “Quien este libre de culpa que tire la primera piedra”.
Debney nos regala un poderoso tema, ”The Stoning” lleno de lamentaciones y de la poderosa percusion característica de la partitura.
CAMINO DEL CALVARIO.
“Cuando lo conducían echaron mano de un tal Simón de Cirene, que venia del campo, y le cargaron la cruz para que la llevara detrás de Jesús” Lucas 23, 26-27
En vista del posible levantamiento del Pueblo Judío, Pilato no hace mas que lavarse las manos, pero ante eso no hay poder contra un pueblo sediento de sangre, de la sangre de un falso Mesías, según ellos. Totalmente temeroso, finaliza por conceder la crucifixión de Jesús al pueblo Judío, antes de que se produjese una sedición.
Jesús porta su cruz siendo escupido, y azotado. El pueblo lo apedrea. Gibson hace un magnifico paralelismo con su entrada a Jerusalén a lomos del Burro, y una población que le da la bienvenida con Palmas y Ramas de Olivos.
Aquí hay una leve sección del mejor corte del disco “Bearing the Cross”, una reducción musical que tal vez se debiera a problemas de duración o a recortes en el montaje impuestos por la producción o por el propio director en vista de la mala prensa que estaba teniendo la película.
A continuación el momento más emotivo de la cinta y tal vez de los más bellos. Jesús cae por segunda vez con la cruz, la virgen se acerca a su hijo recordando una escena de la niñez, donde un jovencito Jesús caía al suelo. “Estoy Aquí” dice la virgen, y Jesús dice “Mira madre, he realizado cosas nuevas”, y con sorprendentes fuerzas se levanto. Debney desarrolla el tema de la Virgen en todo su esplendor, un tema perfecto para una madre, por su bondad, por su empeño, por su tesón, y por su piedad. La melodía consigue cotas altísimas situando a la composición en un lugar privilegiado, verdadero motor para empujar al espectador a exteriorizar su sensibilidad.
Después de estas escenas aparecen dos personas importantísimas para que Jesús pueda llegar al Golgota, Simón y Verónica. Simón ayuda a regañadientes (en un principio) a Jesús a subir la cruz a su emplazamiento final, aunque a medida que lo acompaña, solo mas ver su mirada, comprende el error de crucificar a este hombre, de ahí que haga suya la tarea de cargar con la cruz. Verónica aparece para limpiar la cara de sangre a Jesús, y darle agua. Ambos ven la mirada de Jesús, unos planos que Gibson nos muestra de forma bastante explícita, describiendo la importancia que la imagen tiene en su película. No hacen falta palabras, simplemente con una mirada de personajes entendemos perfectamente que pasa por sus cabezas. Han descubierto la verdadera esencia de Jesús. Han descubierto al Mesías.
“Simon is dimissed” es el tema con que Debney apoya musicalmente estas escenas, empieza con una locura de sonidos autóctonos de viento, para posteriormente ser mucho más descriptivo. Es un tema funcional que cumple perfectamente pero que en una escucha aislada no esta ni mucho menos entre lo mejor de la partitura.
LA CRUCIFIXION
“Jesús quedo en manos de los judíos y, cargado con la cruz, salió hacia el lugar llamado “la calavera” en hebreo “Golgota”, donde lo crucificaron.” Juan 19, 17-18
Terroríficas estas escenas donde los torturadores romanos no muestran ni un ápice de bondad o piedad. La muestra de la crucifixión es a todas luces un ejercicio cinematográfico de rudeza y violencia explícita, pues somos conscientes en todo momento de lo que paso Jesús en la cruz. Si eso es lo que pretendía Gibson con estas escenas, lo consiguió.
Esta magnifica escena conecta con un flashback memorable, el de la Santa Cena, donde Jesús dio las ultimas enseñanzas a sus discípulos. La pena de María es expresada plenamente en todo momento, siendo uno de los elementos dramáticos más demoledores de la escena.
Debney utiliza aquí dos impresionantes temas a cual mejor: “Crucifixión” con una parte central magnifica, basándose en melodías evocadoras, centradas en esa Santa Cena, y “Raising The Cross” un tema de gran fuerza, similar al de “Bearing the Cross”, con una igual de magnifica utilización de la percusion y sobre todo de los coros, que tiene lugar cuando Jesús es elevado en su cruz, bajo la mirada destrozada de La Virgen y María Magdalena. Dos temas que están entre lo mejor de la banda sonora.
MUERTE DE JESUS
“Y Jesús, con fuerte voz, dijo: “Padre en tus manos encomiendo mi espíritu”. Dijo esto y expiró.” Lucas 23, 46-47.
Un plano absolutamente sobrecogedor nos relata esta escena. Es un plano cenital que se eleva hacia el cielo desde la mirada manchada de sangre de Jesús. La imagen como el resto de planos centrados en la crucifixión goza de una fuerza descomunal, beneficiándose por el particular efecto que tiene un plano de estas características en estos momentos. La expiración de Cristo se beneficia de un sonido demoledor, una despedida sonora de Jesús a este interminable calvario.
Debney aporta “It is done”, un tema de gran tristeza, evidentemente no es para menos. Jesús ha expirado su ultimo aliento, y a dejado su vida en las manos sanadoras de Dios. Por fin se termino su calvario. Un violín emite su “quejido” llorando por el hijo de Dios.
A continuación la fuerza y la cólera de Dios tiene su interpretación musical en “Jesús is Carried Down”, un tema que parte de una gran percusion, y termina con una amalgama de voces. Estas dan paso a una despedida a cargo de la tenue voz femenina que ha ido acompañando a Jesús en toda su Pasión. Es un tema de un gran poder sonoro que tiene una respuesta ajustada a las imágenes, unas imágenes impagables, con una gota de lluvia como protagonista. De lo mejor en dirección de toda la película. Dios llora por su hijo.
Todo termina con Jesús y la lanza, remitiéndonos a los Evangelios: “Todo esto sucedió para que se cumpliera la Escritura: “No le quebraran hueso alguno”. Y también otra Escritura que dice: “Veran al que traspasaron”. Juan 19, 36-38. De hay que el romano se sorprenda al ver que solamente se vierte agua y sangre, sin encontrar hueso alguno al clavar la lanza. Una antigua profecía que confirma realmente que Jesús era el hijo de Dios.
RESURRECCION
“Id enseguida a decir a sus discípulos: “Ha resucitado de entre los muertos y va delante de vosotros a Galilea. Allí le veréis. Ya os lo he dicho”. Mateo 28, 7-8.
El gran miedo que teníamos muchos de ver como enfocaba Gibson esta parte de La Pasión, fue eliminado totalmente al ver la sutilidad y el ingenio con que rodó esta escena, muy, muy corta. Nada de luces, de efectos especiales ni de cualquier añadido que no pegara ni con cola con el resto del relato. Jesús aparece curado y resucitado, para dar paso a los títulos de crédito.
Aquí Debney desarrolla uno de los mejores temas del disco que sirve como triunfo, y como despedida, pues casi la totalidad de “Resurrection” esta utilizado en los títulos de crédito. Empieza misteriosamente hasta que desvelamos al sudario y al propio Jesús. La percusion se mezcla con una parte coral que cada vez se hace mas presente, de celestial a festiva, en el sentido de celebrar la victoria final de Jesús sobre la muerte.
UNA BANDA SONORA DE REFERENCIA.
La banda sonora compuesta por Debney es uno de los elementos más importantes de la particular versión de la Pasión de Gibson, que por otro lado es bastante fiel a los Evangelios. Su sonido puede no ser muy original, y muchos verán a Peter Gabriel y su “La Ultima tentación de Cristo” como referente evidente.
Personalmente pienso que Debney ha realizado el mejor trabajo de toda su carrera, pues aunque en una escucha aislada “La Isla de las Cabezas Cortadas” pueda ser un poquito mas disfrutable, con las imágenes La Pasión de Cristo, funciona mejor que, no solo cualquier partitura del compositor, sino cualquiera que se centre en la vida de Jesús. Tal vez mi apreciación sea muy categórica, pero, es pensada y medida después de repetir la visión de la película y de la banda sonora hasta niveles de juicio claramente debatido por mi.
Sin duda “La Pasión de Cristo” no solamente es la mejor partitura referida a Cristo, sino que la película es la mejor aproximación a la vida de Cristo, y sobre todo (evidentemente) a sus ultimas horas. Cine de alto nivel, una verdadera Obra de Culto.
Lo mejor: Todo.
Lo peor: Algunos pasajes incidentales que deben de fusionarse con las imágenes.
El Momento: Bearing the Cross, sencillamente demoledor.
RECAPITULANDO
Remitiéndome de nuevo a mi texto de introducción, indiferentemente de las creencias de la persona que vea esta película, no cabe duda de que la personalidad de Cristo es para muchos (yo me incluyo) fascinante, al igual que puede serlo Paul Atreides (el protagonista de la novela de Dune), o Ulises (el heroe de Homero).
Lo magnífico de su leyenda es que podría haber sido cierta (al igual que la de Ulises), y por lo tanto su fascinación causa mayores estragos en el lector que intenta enriquecerse de su vida, de sus vivencias, y de su tortura que lo llena de humanidad. El gran mensaje que emite Gibson no es el de "ser cristiano mola" o el de "ser judío es lo peor", sino "el ser humano es irracional y dolorosamente insensible".
Esta claro que bajo la personalidad de Jesús podrían estar Gandhi, Espartaco, o cualquier persona que haya sufrido una tortura, y es en esa situación donde encontramos el verdadero mensaje de Gibson, el mensaje y la imagen de un "ser humano torturado" independientemente de que sea divino o no.
¿Cuantas personas son torturadas al cabo del día, en cualquier parte del mundo?
Gibson nos muestra un mensaje alarmante, triste, y es el de que nada ha cambiado, lamentablemente, desde que Jesús sufrió por nosotros en la cruz.
Es un mensaje en contra de la bajeza del ser humano, que es capaz de poner una serie de bombas en un transporte publico reivindicando ideales que no existen, intentando justificar una pobreza de valores alarmante.
Un mensaje tan claro como el de "Salvar al Soldado Ryan" contra la guerra, o el de "Réquiem por un Sueño" contra la droga, o el de "Irreversible" contra la violación. Un mensaje al fin y al cabo contra un tipo de ser humano que se dedica a destruir pues le es imposible construir. Un mensaje que se convierte en denuncia, una denuncia a la bajeza y maldad humana.
DDBSpawn . . . . BSOSpirit
Referencias
The Passion of the Christ / La pasión de Cristo (2004)
Película dirigida por Mel Gibson.
Interpretada por James Caviezel, Monica Bellucci, Claudia Gerini, Maia Morgenstern, Sergio Rubini, Toni Bertorelli, Roberto Bestazzoni, Francesco Cabras, Rosalinda Celentano, etc.
Compositor: John Debney (1956)
Año de composición: 1995
Fecha de salida: 2005-03
Discográfica: Prometheus
Referencia: XPCD 157
Tracks CD1:
1. Main Title/Morgan's Ride 4:38
2. The Rescue/Morgan Saves Harry 3:41
3. Purcell Snatcher* 2:58
4. Shaw Is Caught* 1:15
5. The Funeral 1:29
6. Morgan In Command* 2:51
7. The Language Of Romance 2:40
8. A Lady Scorned* 1:38
9. Carriage Chase 7:21
10. Ainclee Plots*/To Spitterfield* 3:46
11. Uncle Mordechai* 2:02
12. Morgan Captured/Sword Fight 5:23
13. Escape From Mordechai's 2:09
14. Setting Sail 1:03
15. Charting The Course 2:19
16. First Kiss/Love Scene/Dawg's Plan* 3:12
17. Shaw Discovers The Location* 2:04
18. Betrayal* 2:12
19. The Storm Begins 2:33
20. To The Bottom Of The Sea 2:43
21. The Island* 3:41
22. Shaw Steals The Map 3:30
23. Discovery Of The Cave* 4:38
24. Discovery Of The Treasure 2:19
Total: 72:22
Tracks CD2:
1. The Wedding Waltz* 2:43
2. Caught* 1:37
3. The Rope* 2:17
4. Morgan And Show Jump Off The Cliff/The Big Jump 2:38
5. Shaw Captured* 2:32
6. Morgan Takes The Ship 4:30
7. The Hangman's Noose* 3:56
8. The Battle/To Dawg's Ship*/Morgan Battles Dawg*/Dawg's Demise/The Triumph 17:52
9. It's Only Gold/End Credits 9:42
10. Main Title/Morgan's Ride (without choir)* 4:48
11. Carriage Chase* 7:26
12. The First Kiss (album edit) 1:54
13. Dawg's Demise*/The Triumph (without choir)* 3:31
14. Morgan's Ride & The Rescue (original synth demo version)* 7:25
Total: 73:10
Total Duration: 145:32
* Temas inéditos
Créditos
Música compuesta por John Debney.
Orquestaciones de Brad Dechter, Frank Bennett, Don Nemitz y Jeff Atmajian.
Interpretada por la London Symphony Orchestra, dirigida por David Snell, y The London Voices Choir, dirigida por Terry Edwards.
Grabada y mezclada por Simon Rhodes.
Editada por Tom Carlson.
Remasterizada por James Nelson.
Album producido para Prometheus Records por Ford A. Thaxton.
Reseñas
Varios años antes del taquillazo de “Piratas del Caribe”, “La Isla de las Cabezas Cortadas” fue un intento fallido de recuperar las viejas películas de piratas de los años 50, dándoles un profundo remozado que pasaba por sustituir al héroe caballeresco tipo Errol Fynn o Burt Lancaster por una aguerrida fémina de armas tomar encarnada por Geena Davis. El argumento era tan sencillo como típico: a finales del siglo XVII, una intrépida pirata, Morgan Adams (Geena Davis), se lanza junto con su esclavo William Shaw (Matthew Modine) a la búsqueda del último de los tres trozos de un mapa que contiene la ruta para encontrar un fabuloso tesoro. El problema es que el poseedor de ese último trozo es su tío Dawg (Frank Langella), otro malvado pirata que busca también los fragmentos perdidos del famoso mapa. Por si esto fuera poco, Morgan debe huir además de la Armada británica, que la busca para colgarla por sus numerosos actos de piratería.
Dirigido en 1995 por Renny Harlin ("Pesadilla en Elm Street 4", "Jungla de Cristal 2"), el filme tuvo una gélida acogida tanto por el público como por la crítica, hasta el punto que terminó por hundir definitivamente a la productora Carolco. La verdad es que nadie vio en Geena Davis (esposa del director por aquel entonces) un vestigio de auténtica heroína con la que identificarse, y desde luego la por momentos estúpida interpretación de su partenaire Matthew Modine (un actor que sabe hacer cosas mucho mejores) no ayudó para nada a mejorar el acabado final del filme.
No obstante, la floja película sirvió para ofrecernos una de las más espectaculares partituras escritas para un filme de aventuras, y miren por dónde, obra de un compositor no excesivamente conocido por aquellos años. John Debney, mundialmente famoso hoy por su (sobrevalorada y oscarizada) música para “La pasión de Cristo”, es en realidad un compositor con una corta carrera en cuanto a producciones cinematográficas se refiere. De hecho, no fue hasta 1993 cuando Debney puso música a su primera película con notoriedad en Hollywood, “Hocus Pocus” (El Retorno de las Brujas), ya que hasta aquel entonces su carrera se había movido casi exclusivamente entre producciones televisivas.
Debney, como ya hiciera con James Horner en “Hocus Pocus”, vino a sustituir en el último momento al compositor inicialmente elegido por los productores, el inglés David Arnold. Esta circunstancia dio pie a que muchos se lanzaran a soltar bulos acerca de si había partes de Arnold en la partitura, si Debney utilizó temas compuestos por él... Al respecto, es evidente que el sinfonismo estridente de Arnold se halla ciertamente presente en "Cutthroat Island", con unas orquestaciones muy similares a las del músico británico y utilizando unas técnicas de grabación que acercan mucho el sonido al estilo Arnold. Pero hay que ser justos y dar al César lo que es del César: rumorología aparte, aquellos que sepan del modo de composición de Debney reconocerán desde el primer momento su impronta en cada tema del disco.
Lo primero que hay que decir acerca de este doble compacto es que contiene absolutamente toda la música que podemos escuchar en la película. No obstante y sin quitarle ni un ápice de mérito a los chicos de Prometheus, los 70 minutos de la anterior edición de Silva Screen eran una muestra más que suficiente de las numerosas virtudes de esta partitura, y excepto por un par de temas que sí trae esta versión completa, casi todas las joyas del score estaban incluidas en aquel disco de Silva. De todas formas, es de agradecer el esfuerzo de la discográfica belga por satisfacer a los oyentes más exigentes y editar este impecable doble CD, de compra obligada para aquellos pocos que aún no conozcan esta espléndida banda sonora.
Entrando en materia, la partitura de Debney tiende a moverse por los cánones típicos del cine de aventuras, con uso abundante del metal y percusión así como de estilo grandilocuente por la profusa aparición de la sección coral. Aun así, el score poco tiene que ver con aquellos trabajos de Korngold, Rozsa y Steiner a los que se refiere el compositor en su apartado de agradecimientos, pues se trata de una partitura de empaque tan contemporáneo que resulta difícil relacionarla con esos grandes nombres.
Un tema principal de corte heroico y espectacular, cimentado en un grandioso acompañamiento coral (“Main Title/Morgan´s Ride”), abre el disco constituyendo una auténtica evocación de la aventura a vivir por los protagonistas. De hecho, la principal virtud de la partitura es el inteligente uso que Debney hace de este tema central: así, pese a que el mismo está presente en la practica totalidad del score, el compositor consigue no abusar de él. Y lo logra a través de “disimular” su uso a base de múltiples variaciones orquestales, a veces en tono emotivo (“The Funeral”), en forma de fanfarria (“Setting Sail”), o incluso en clave aun más heroica (“Morgan Takes The Ship”), recursos todos ellos que consiguen el meritorio efecto de que el leit-motiv, usado realmente hasta la saciedad, en modo alguno acabe fatigando al oyente.
El magnífico tema principal es tan solo un aperitivo de lo que nos espera, pues la riqueza temática del score es palpable en cualquier corte del CD. Sin duda, donde Debney se mueve más a gusto y desborda su creatividad es en el desarrollo de los numerosos temas de acción compuestos. Al respecto, una de los mayores logros del autor es la perfecta sincronización que consigue con las imágenes. Ninguno de estos arrolladores temas de acción parece estar escrito a la ligera. Y en este sentido hay que destacar las espléndidas transiciones rítmicas conseguidas, en las que prácticamente cada persecución, cada pelea, cada cañonazo, parecen tener su respuesta musical con cambios de ritmo y melodía muy estudiados, nada abruptos y que analizando la música tal y como suena en el filme, nos dan una idea del tremendo esfuerzo y planificación que Debney debió realizar para ajustar su partitura a cada escena del filme.
Una muestra de lo anterior es la joya de la corona de esta edición de Prometheus: El “The Battle/To Dawg´s Ship/Morgan Battles Dawg/Dawg´s Demise/The Triumph” es el tema que recoge toda la música que suena en el abordaje y batalla final entre Morgan y Dawg, incluyendo cerca de siete minutos previamente inéditos. La palabra “arrollador” se queda corta para describir la sensación que provoca la audición de este corte, y de hecho resulta difícil concebirlo sin tener en cuenta que hasta cuatro orquestadores intervinieron en la partitura. Es uno de esos temas épicos inolvidables, no apto para cardíacos, en el que tanto la London Symphony como el coro de London Voices demuestran con creces su merecido caché dentro del ámbito de las bandas sonoras, con una interpretación impecable pese a lo tremendamente complicado que debió resultar afrontar este fulgurante tema.
Independientemente del acierto en los temas de acción, John Debney es también un autor que maneja con fortuna las melodías intimistas. Prueba fiel de ello es el tema de amor que describe la relación entre Morgan y Shaw, que suena en el corte“First Kiss/Love Scene”. Pese a que el mismo recuerda a la música escrita por David Arnold para su magnífica “Stargate”, (lo que no hace sino acrecentar la polémica antes comentada), la belleza de la melodía es innegable y cumple a la perfección como contrapunto a la fiereza del resto del score.
Como colofón a la partitura, Debney nos ofrece una maravilla de tema final, el “It´s Only Gold/End Credits”. Con una melodía muy emotiva que luego torna en grandeza, el compositor cierra el filme para dar paso a los créditos finales, que a modo de reprise recogen los principales temas del score. Impagable la percusión étnica que acompaña a la nueva versión del tema central contenida en este corte.
Finalmente, en lo referente al material inédito recogido en esta edición, decir que junto a inevitables temas incidentales, algunos demasiado descriptivos para justificar su escucha aislada de la película (“Ainclee Plots/To Spittelfield”, “Discovery of The Cave”, “The Rope”), nos encontramos con magníficas inclusiones como la ya comentada versión extendida del “The Battle”, el heroísmo contenido del “A Lady Scorned“, un par de versiones sin coro descartadas del montaje final, y la curiosidad de oir la demo original en sintetizadores de los temas “Morgan´s Ride & The Rescue”, versión que a más de un purista escandalizará. Además, la presente edición de Prometheus nos regala dos piezas no originales de John Debney, cuáles son el hermoso “The Wedding Waltz” (no usado en el filme y de autor desconocido) y el “Purcell Snatcher”, tema de época escrito por uno de los orquestadores de la partitura, Brad Dechter.
En definitiva, nos encontramos sin duda con la obra maestra de John Debney y una de las mejores piezas de los años 90, referente para no pocas partituras posteriores y que no defraudará a los aficionados a la buena música de aventuras. Imprescindible.
José-Vidal Rodriguez . . . . SCOREMAGACINE
Referencias
Cutthroat Island / La isla de las cabezas cortadas (1995)
Película dirigida por Renny Harlin.
Interpretada por Geena Davis, Matthew Modine, Frank Langella, Maury Chaykin, Patrick Malahide, Stan Shaw, Rex Linn, Paul Dillon, Christopher Masterson, etc.
Compositor: John Debney (1956)
Año de composición: 2002
Fecha de salida: 2002-03-19
Discográfica: Varèse Sarabande
Impresor: Varèse Sarabande (USA)
Referencia: 302 066 338 2
Tracks:
1. Main Titles 4:13
2. Joe and Emily Flashback 3:43
3. Donor Body Awakens 4:47
4. Meeting Sister Madeline 5:35
5. The Plane Ride 2:32
6. Emily's Grave 3:14
7. Emily's Message Revealed 7:11
Total: 31:17
Créditos
Música compuesta y dirigida por John Debney.
Orquestaciones de John Debney, Frank Bennett, Don Nemitz y Chris Klatman.
Interpretada por la Hollywood Studio Symphony.
Orquesta contratada por Sandy DeCrescent.
Mezclada por Shawn Murphy.
Editada por Jim Harrison. Masterizada por Patricia Sullivan-Fourstar.
Album producido por John Debney, Michael Mason y Robert Townson.
Reseñas
DRAGONFLY (2002) se inscribe en ese cada vez más amplio saco de partituras anodinas que poco o nada nuevo ofrecen al oyente, incluso se podría afirmar que John Debney compuso una obra demasiado cercana al estilo de James Newton Howard en THE SIXTH SENSE (1999) o UNBREAKABLE (2000) y que le ha valido numerosas comparaciones en revistas especializadas; y aún podría decirse más: DRAGONFLY es más howardiana que debniana -si es que podemos afirmar la existencia de un estilo Debney-.
Después de CUTTHROAT ISLAND (1995) John Debney lleva algunos años vagando en géneros muy diversos que abarcan la comedia, la acción, el terror, etc. sin llegar a encontrar esa inspiración que lo rescate de lo déjà vu. En HEATBREAKERS (2001) compuso una partitura totalmente prescindible que se editó comercialmente en dos suites que acompañaban las canciones. En THE SCORPION KING (2002) le cayeron algunas de las críticas más feroces que ponían en entredicho su carrera, olvidándose de sus arreglos orquestales para la regrabación de THE SEVENTH VOYAGE OF SINBAD (1958/1998) de Bernard Herrmann.
En DRAGONFLY el director Tom Shadyac planteó un film con dos temáticas perfectamente definidas: el tema sobrenatural personificado en la muerte de Emily y el tema romántico que narra la relación entre Joe y Emily. Esta ambivalencia explica por si sola las dos caras de la partitura de John Debney y su fuerte sentido orquestal, aunque sea realmente el piano el intrumento que narre el contenido de la libélula -tótem del film de Shadyac-.
En la estructuración de la partitura John Debney no deja de ser un clásico; en primer lugar la obertura Main Title vertebra toda la obra, y en segundo lugar el final en forma de suite es ya un tópico en el mundo de la banda sonora. El tema central lo encontramos con sus variaciones en Joe and Emily, Emily's Grave o en la suite Emily's Message Revealed. Estos son los temas con la mayor carga emotiva para la cual Debney reservó su estilo más lírico, incluyendo un solo para violín para el final de Emily's Grave, alejándose un tanto de las notas de misterio que afloran en la partitura.
Como conclusión diremos que DRAGONFLY, aun siendo cercana estéticamente al estilo James Newton Howard, es una de esas bandas sonoras técnicamente correctas y entretenidas. John Debney no es ni de lejos el que más abuse de la innovación melódica y aquí nos ofrece media hora de «más de lo mismo», tiempo suficiente para que la melodía principal se diluya bajo esa doble temática sobrenatural y romántica de la que sólo la variación lírica nos deja lo mejor del John Debney de estos últimos años.
Joan Martínez . . . . Scorefilia
Referencias
Dragonfly / Dragonfly: La sombra de la libélula (2002)
Película dirigida por Tom Shadyac.
Interpretada por Kevin Costner, Joe Morton, Ron Rifkin, Linda Hunt, Susanna Thompson, Jacob Vargas, Kathy Bates, Robert Bailey Jr., Jacob Smith, Jay Thomas, Lisa Banes, etc.