Compositor: Alan Silvestri (1950)
Año de composición:
Fecha de salida: 1994
Discográfica: Official promo
Impresor:
Referencia:
Tracks CD1:
1. Forrest Gump 08:53
2. Romancing The Stone 05:30
3. Predator 03:29
4. Back To The Future III 04:04
5. Fandango 04:37
6. Young Guns II 02:50
7. The Abyss 03:14
8. American Anthem 06:01
9. Critical Condition 02:32
10. Shattered 05:04
11. Death Becomes Her 05:52
12. Overboard 03:25
13. Ricochet 02:17
14. Back To The Future II 04:41
15. Father Of The Bride 03:29
Tracks CD2:
1. Back To The Future 03:18
2. Soapdish 03:55
3. Who Framed Roger Rabbit 05:01
4. Grumpy Old Men 02:22
5. Clan Of The Cave Bear 06:49
6. Mac & Me 04:30
7. Delta Force 04:26
8. Blown Away 07:20
9. Super Mario Bros. 04:12
10. Dutch 04:40
11. No Mercy 02:15
12. Predator 2 08:50
13. Clean Slate 01:16
14. Outrageous Fortune 01:37
15. The Bodyguard 02:42
Total: 129:09
Créditos
Música compuesta por Alan Silvestri.
Referencias
Forrest Gump (1994)
Romancing The Stone (1984)
Predator (1987)
Back To The Future III (1990)
Fandango (1985)
Young Guns II (1990)
The Abyss (1989)
American Anthem (1986)
Critical Condition (1987)
Shattered (1991)
Death Becomes Her (1992)
Overboard (1987)
Ricochet (1991)
Back To The Future II (1989)
Father Of The Bride (1991)
Back To The Future (1985)
Soapdish (1991)
Who Framed Roger Rabbit (1988)
Grumpy Old Men (1993)
Clan Of The Cave Bear (1986)
Mac & Me (1988)
Delta Force (1986)
Blown Away (1994)
Super Mario Bros. (1993)
Dutch (1991)
No Mercy (1986)
Predator 2 (1990)
Clean Slate (1994)
Outrageous Fortune (1987)
The Bodyguard (1992)
Compositor: Alan Silvestri (1950)
Año de composición: 2004
Fecha de salida: 2004-05-04
Discográfica: Decca
Impresor: Universal Music (USA)
Referencia: 024 986 199 9
Tracks:
1. Transylvania 1887 1:26
2. Burn It Down 4:46
3. Werewolf Trap 1:53
4. Journey to Transylvania 1:34
5. Attacking Brides 5:03
6. Dracula's Nursery 5:47
7. Useless Crucifix 2:36
8. Transylvanian Horses 3:55
9. All Hallow's Eve Ball 3:01
10.Who Are They to Judge? 2:00
11.Final Battle 6:29
12.Reunited 4:23
Total: 42:55
Créditos
Música compuesta y dirigida por Alan Silvestri.
Orquestaciones de Mark McKenzie, William Ross y David Slonaker.
Album producido por Alan Silvestri.
Grabada y mezclada por Dennis Sands.
Album producido por Alan Silvestri y David Bifano.
Reseñas
No puede dejarse pasar una metedura de pata tan importante como la que aquí se aprecia por parte de uno de los músicos más queridos por el aficionado como es Alan Silvestri en tamaño despropósito cinematográfico como es este desastroso “Van Helsing”. Afincado en las producciones elefantiásicas de Stephen Sommers, el compositor norteamericano parece haber encontrado en estas un reducto para su más estruendosa y grandilocuente música sinfónica, pero lo hace en este film renunciando por completo a la más mínima coherencia. No es que no existan momentos de calidad aislados en la partitura, que los hay y son muchos, el problema radica en lo inútil de los mismos cuando no existe cohesión, progresión dramática ni evolución en las ideas expuestas.
Quizás parezca algo duro criticar tan severamente a un compositor como Silvestri cuya dignidad siempre ha estado a salvo bajo los auspicios de Zemeckis y de las horteras comedias alimenticias donde le perdonamos todo, pero creo que es justo y necesario hacer una crítica constructiva tanto con Silvestri como con cualquier otro autor que se precie de serlo. Con la acción es imperdonable pasar por alto este descalabro, por precisamente ser el compositor uno de los mejores compositores hollywoodienses en tratar el género (véanse joyas como “Depredador”, “Juez Dredd”, “Ricochet”, y un largo etcétera), por lo que sin más preámbulos hay que realizar un brevemente doloroso repaso a los grandes errores que nuestro estimado compositor perpetra aquí sin miramientos.
Lo primero y por desgracia es intentar seguir y aumentar la intensidad de las escenas de la cinta sin atender a una progresión lógica en la propia estructura de la música dado que el film no la tiene. El tema que abre la película, "Transylvania 1887" (en la única secuencia digna, el prologo de Frankenstein), es apabullante y con coros, con una gran base rítmica deudora de "Llamaradas" de Zimmer y en si mismo resulta espectacular y vibrante, pero ese mismo tema aparecerá más tarde en una escena con mayor peso en la historia sin coros y con menos grandilocuencia orquestal. La primera aparición del emocionante pero funcional tema heroico se asocia a la chica en "Werewolf Trap", aunque luego se ve inexplicablemente unido también a las secuencias aventureras de Van Helsing e incluso a las de su ayudante. También en algunos momentos el tema de amor acompaña a los dos protagonistas, otras veces solo a ella y al final a su recuerdo "Reunited" con los previsibles coros para darle mayor emoción cuando el compositor ya ha sobresaturado la partitura desde el primer momento con los mismos y su efectividad es nula.
Pese a todo este caos de asociación temática y nula progresión en intensidad o ritmo lo peor esta todavía por venir, pues es la horrible música electrónica la que acaba por deslucir momentos tan brillantes como el soberbio vals de "All Hallow´s Eve Ball" que queda ahogado a los pocos minutos de su inicio en un horrible ritmo electrónico a mitad del corte. También es desesperante el tema "Useless Crucifix", que intenta entresacar sonidos modernos sin saber muy bien por qué sobre la base rítmica que la orquesta proporciona con creces, que es lo mismo que ocurre en el tema "Final Battle" donde se alcanzan media docena de climax absolutos seguidos, por una sucesión sin tregua de Apocalipsis sonoros de la orquesta a pleno rendimiento (más de 110 miembros y coro mixto con también un número escandaloso de gente haciendo ruido) donde crees haber escuchado ya el final por su contundencia y rotundidad bien parecida, cuando en ese preciso momento vuelve a empezar la función. Además cabe destacarse que el tema más intenso y trepidante ya se ha escuchado en una escena anterior de menor calado en el argumento que el final como es la persecución de "Transylvanian Horses", algo que Silvestri ya había hecho con anterioridad en “La momia vuelve” con aquel recordado y trepidante pasaje de acción “My First Bus Ride”.
No es que los temas y motivos no tengan calidad o no se agradezca escuchar música sinfónica grandiosa en una banda sonora que exige e incluso necesita de este tipo de música desproporcionadamente gigantesca, el problema está en que no hay nada que una con sentido esos buenos momentos, aparte de estar quebrados bastantes de ellos por la sonoridad poco elegante de unos sintetizadores demasiado pobres. Por último y para acabar con lo peor tenemos el tema principal dedicado al protagonista Van Helsing un chapucero e incongruente tema con coros, ritmo electrónico punteado por una especie de guitarra y una percusión con sintetizadores muy similar a la empleada por el compositor en aquel sorprendente y magistral tema de acción "The Fight" para esa maravilla que es “Abyss” y que aquí se utiliza para reforzar el ritmo de una percusión machacona que debe aludir al igual que los otros elementos mencionados a algún aspecto de la personalidad del protagonista que dada su profundidad psicológica a un servidor se le escapa.
En fin, dados los tiempos que corren para la banda sonora lo mejor es esperar trabajos de Silvestri para Zemeckis y en el resto rezar para que el estropicio no esté tan desencajado como aquí, donde presenciamos la misma metedura de pata en las mezclas electrónicas que con aquella “Tomb Rider: The Craddle of Life” pero con más culpa si cabe pues Van Helsing no es un héroe moderno como si lo es Lara Croft y por ello no se le debería equiparar con su sonido al de “Matrix” cosa que por desgracia es lo que parece hacerse aquí durante buena parte del score. No obstante los productores mandan y esto es lo que hay, aunque es de agradecer que en la edición discográfica de la casa Decca la duración del disco sea ajustada y se ofrezca una selección no redundante como ya ocurrió en la imponente, pero excesiva "La Momia vuelve", partitura de Silvestri con la que esta acaba guardando más de un punto de conexión.
Ignacio Garrido SCOREMAGACINE
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Referencias
Van Helsing (2004)
Película dirigida por Stephen Sommers.
Interpretada por Hugh Jackman, Kate Beckinsale, Richard Roxburgh, David Wenham, Shuler Hensley, Elena Anaya, Will Kemp, Kevin J. O'Connor, Alun Armstrong, Silvia Colloca, Josie Maran, etc.
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Compositor: Alan Silvestri (1950)
Año de composición: 2001
Fecha de salida: 2001-05-01
Discográfica: Decca Records
Impresor: Universal Music (USA)
Referencia: 440 013 983-2
Tracks:
1. The Legend Of The Scorpion King 04:55
2. Scorpion Shoes 04:24
3. Imhotep Unearthed 04:22
4. Just An Oasis 01:25
5. Bracelet Awakens 01:28
6. Evy Kidnapped 05:55
7. Rick's Tattoo 01:59
8. Imhotep Reborn 02:42
9. My First Bus Ride 07:45
10.The Mushy Part 02:42
11.A Gift And A Curse 05:32
12.Medjai Commanders 02:03
13.Evy Remembers 04:03
14.Sandcastles 03:22
15.We're In Trouble 02:18
16.Pygmy Attack 03:31
17.Come Back Evy 03:29
18.The Mummy Returns 07:44
19.Forever May Not Be Long Enough (Live) 03:47
Total: 01:13:26
Créditos
Música compuesta y dirigida por Alan Silvestri.
Orquestaciones de Mark McKenzie, David Slonaker y William Ross.
Interpretada por la Sinfonia of London Orchestra and Chorus.
Grabada y mezclada por Dennis Sands.
Editada por Ken Karman.
Masterizada por Joe Gastwirt.
Album producido por Alan Silvestri y David Bifano.
Reseñas
Extraña es la no participación de Jerry Goldsmith en un nuevo proyecto de Stephen Sommers, más que nada porque ya colaboró con ál en sus dos anteriores películas, Deep Rising (un divertimento de serie B a reivindicar) y en la primera parte de La Momia. Hay conjeturas que apuntan a una enemistad entre el compositor y el director, de ésas que salpican momentáneamente el anecdotario de la música de cine (como ya pasase entre Danny Elfman y Tim Burton con Ed Wood). Pero lo que está claro es que la elección de Alan Silvestri para sustituirlo trajo más de un comentario receloso, visto el buen resultado de Goldsmith para la primera parte (tal vez, una de sus bsos más logradas).
Una vez vista la película y escuchada la partitura de Silvestri, no se echa demasiado en falta al maestro de la coleta, pero tenemos la impresión de que Silvestri ha afrontado el proyecto con un cambio de estilo, más enfocado a las grandes composiciones orquestales de David Arnold que a proyectos personales de acción como Depredador, Abyss o Juez Dredd.
Si bien hay que reconocer que existen segmentos en que nos recuerda a pasajes del Juez Dredd, lo demás está más próximo a Stargate, Independence day y, sobre todo, al hijo no reconocido de David Arnold, La Isla de las Cabezas Cortadas (firmada por Debney en otra más de sus peculiares formas de clonación).
Destaca el tema pegadizo y sobre todo repetitivo (Silvestri es uno de esos compositores que suelen repetir hasta la saciedad un tema principal en múltiples variantes) de nuestro pseudo "Indiana Jones", para pasar a un tema melódico, preciosista, que podría aplicarse al desierto, la mitología, y la historia de este mundo de dunas. Un tema de los más bonitos escritos por el compositor, que se asemeja bastante al que compusiera Goldsmith en la primera parte para el tema de amor, y que hace su mejor aparición en el tema del final (antes de esa innecesaria canción de Live, que no pega ni con cola), los títulos de crédito del final (una auténtica maravilla) "The Mummy Returns" o en "Sandcastles" cuando el hijo, extrañamente no demasiado inaguantable (eso sólo pasa en las últimas películas de Spielberg) se empeña en hacer castillos de arena representando los que va a visitar para así servirles de guía a sus padres.
Pero lo que más sorprende de la edición discográfica, obra de la Universal (UMG), es su larga duración de más de 70 minutos. Una compra que se hace obligada, no sólo por la edición, sino porque Silvestri está sin duda en uno de sus mejores momentos creativos. Prueba es esta partitura y la que hiciera para la última película de Brad Pitt y Julia Roberts, The Mexican.
DDBSpawn
BSOSpirit
Referencias
The Mummy Returns / El regreso de la momia (2001)
Película dirigida por Stephen Sommers.
Interpretada por Brendan Fraser, Rachel Weisz, John Hannah, Arnold Vosloo, Oded Fehr, Patricia Velazquez, Freddie Boath, Alun Armstrong, Dwayne Johnson, etc.
Compositor: Alan Silvestri (1950)
Año de composición: 2000
Fecha de salida: 2001-01-31
Discográfica: Varèse Sarabande
Impresor: Varèse Sarabande (USA)
Referencia: 302 066 213 2
Tracks:
1. Romancing the Stone - End Credits (1984) 5:20
2. Back to the Future - Theme (1985) 3:18
3. Who Framed Roger Rabbit? - Suite (1988) 4:59
4. Back to the Future, Part II - Suite (1989) 4:35
5. Back to the Future, Part III - End Credits (1990) 4:03
6. Death Becomes Her - End Credits (1992) 5:50
7. Forrest Gump - Suite (1994) 8:53
8. Contact - End Credits (1997) 8:00
9. What Lies Beneath - End Credits (2000) 6:37
10.Cast Away - End Credits (2000) 7:30
Total: 59:05
Créditos
Música compuesta y dirigida por Alan Silvestri.
Orquestaciones de Alan Silvestri.
Interpretada por una orquesta de sesión de Los Angeles.
Músicos solistas destacados: Tom Boyd (oboe) y Phil Ayling (corno inglés).
Orquesta contratada por Sandy DeCrescent.
Grabada y mezclada por Dennis Sands.
Masterizada por Patricia Sullivan-Fourstar.
Album producido por Alan Silvestri, David Bifano y Robert Townson.
Reseñas
Ultimamente Alan Silvestri ha dejado de lado su propio estilo lírico y se ha embarcado en algunas asimilaciones musicales de otros compositores; recordemos su THE MEXICAN (2001), irregular bagatela extraída de un fondo morriconiano y su WHAT LIES BENEATH (2000), tan próxima a Bernard Herrmann que hubo quien criticó la falta de lucidez de un Silvestri correcto pero entusiasta de PSYCHO (1960).
A parte de PREDATOR (1987), partitura de culto, a mediados de los noventa FORREST GUMP (1994) marcó el prestigio de Alan Silvestri; desde esa colaboración con Robert Zemeckis su música no había vuelto a escalar melodías tan simples y bellas, y es así como otra colaboración con Zemeckis nos devuelve a un Silvestri impecable, lírico y evocador, que rivaliza con Rachel Portman en cuanto a la aportación melódica del género nostálgico.
A veces hemos celebrado los aciertos de Robert Townson como productor de Varèse Sarabande y a veces hemos criticado la inclusión de canciones insípidas en partituras notables, pero lo que se ha hecho con CAST AWAY (2001) es una disección para presentarla bajo el formato de un recopilatorio de Alan Silvestri que incluye un muy nimia la partitura original. Si ya era breve de por si Varèse Sarabande la ha hecho aún más breve incluyendo temas de ROMANCING THE STONE (1984), la trilogía de BACK TO THE FUTURE, CONTACT (1997), FORREST GUMP (1994) o WHAT LIES BENEATH (2000). La suite Cast Away - End credits es el epílogo a esta obra que nos rememora al mejor Alan Silvestri en su vertiente lírica. En efecto, si su FORREST GUMP (1994) entra de lleno en el sustrato musical de Rachel Portman -la influencia resulta incluso más intensa a partir de la composición de THE CIDER HOUSE RULES (1999)-, este CAST AWAY (2001) no desmerece en nada ese estilo.
Joan Martínez [2002-04-27 Scorefilia
Más reseñas: BSOSpirit
Referencias
Romancing the Stone / Tras el corazón verde (1984)
Película dirigida por Robert Zemeckis. Interpretada por Michael Douglas, Kathleen Turner, Danny DeVito, Zack Norman, Alfonso Arau, Manuel Ojeda, Holland Taylor, Mary Ellen Trainor, Eve Smith, Joe Nesnow, etc.
Back to the Future / Regreso al futuro (1985)
Película dirigida por Robert Zemeckis. Interpretada por Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover, Thomas F. Wilson, Claudia Wells, Marc McClure, Wendie Jo Sperber, George DiCenzo, etc.
Who Framed Roger Rabbit / ¿Quien engañó a Roger Rabbit? (1988)
Película dirigida por Robert Zemeckis. Interpretada por Bob Hoskins, Christopher Lloyd, Joanna Cassidy, Charles Fleischer, Stubby Kaye, Alan Tilvern, Richard LeParmentier, Lou Hirsch, Betsy Brantley, etc.
Back to the Future Part II / Regreso al futuro - Parte II (1989)
Película dirigida por Robert Zemeckis. Interpretada por Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Thomas F. Wilson, Elisabeth Shue, James Tolkan, Jeffrey Weissman, Casey Siemaszko, Billy Zane, etc.
Back to the Future Part III / Regreso al futuro - Parte III (1990)
Película dirigida por Robert Zemeckis. Interpretada por Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Mary Steenburgen, Thomas F. Wilson, Lea Thompson, Elisabeth Shue, James Tolkan, Matt Clark, Dub Taylor, etc.
Death Becomes Her / La muerte os sienta tan bien (1992)
Película dirigida por Robert Zemeckis. Interpretada por Meryl Streep, Bruce Willis, Goldie Hawn, Isabella Rossellini, Ian Ogilvy, Adam Storke, Nancy Fish, Alaina Reed Hall, Michelle Johnson, Mary Ellen Trainor, etc.
Forrest Gump (1994)
Película dirigida por Robert Zemeckis. Interpretada por Tom Hanks, Robin Wright, Gary Sinise, Mykelti Williamson, Sally Field, Rebecca Williams, Michael Conner Humphreys, Harold G. Herthum, etc.
Contact (1997)
Película dirigida por Robert Zemeckis. Interpretada por Jodie Foster, Matthew McConaughey, James Woods, John Hurt, Tom Skerritt, Angela Bassett, etc.
What Lies Beneath / Lo que la verdad esconde (2000)
Película dirigida por Robert Zemeckis. Interpretada por Harrison Ford, Michelle Pfeiffer, Diana Scarwid, Joe Morton, James Remar, Miranda Otto, Amber Valletta, Katharine Towne, Victoria Bidewell, etc.
Cast Away / Náufrago (2000)
Película dirigida por Robert Zemeckis. Interpretada por Tom Hanks, Helen Hunt, Nick Searcy, Chris Noth, Lari White, Geoffrey Blake, Jenifer Lewis, etc.
Compositor: Alan Silvestri (1950)
Año de composición: 1997
Fecha de salida: 1997-08-19
Discográfica: Warner Bros. Records
Impresor: Warner Music (USA)
Referencia: 9 46811-2
Tracks:
1. Awful Waste Of Space 01:43
2. Ellie's Bogey 03:26
3. The Primer 06:20
4. Really Confused 01:19
5. Test Run Bomber 04:27
6. Heart Attack 01:32
7. Media Event 01:25
8. Button Me Up 01:19
9. Good To Go 05:11
10.No Words 01:42
11.Small Moves 05:35
12.I Believe Her 02:32
13.Contact - End Credits 07:59
Total: 44:28
Créditos
Música compuesta y dirigida por Alan Silvestri.
Orquestaciones de William Ross.
Grabada y mezclada por Dennis Sands.
Album producido por Alan Silvestri.
Referencias
Contact (1997)
Película dirigida por Robert Zemeckis.
Interpretada por Jodie Foster, Matthew McConaughey, James Woods, John Hurt, Tom Skerritt, Angela Bassett, etc.
Compositor: Alan Silvestri (1950)
Año de composición: 1995
Fecha de salida: 1995-02-14
Discográfica: Varèse Sarabande
Impresor:
Referencia: VSD-5595
Tracks:
1. Redemption 03:25
2. Gunfight Montage 01:41
3. Couldn't Tell Us Apart 01:17
4. John Herod 01:21
5. Ellen's First Round 01:10
6. Lady's The Winner 00:47
7. Dinner Tonight 02:11
8. Cort's Story 01:02
9. Ellen Vs. Dred 01:10
10.Kid Vs. herod 04:17
11.I Don't Wanna Die 02:00
12.The Big Day 02:27
13.Ellen Returns 03:54
14.The Law's Come Back To Town 00:49
15.The Quick And The Dead (End Credits) 03:30
Total: 31:01
Créditos
Música compuesta y dirigida por Alan Silvestri.
Orquestaciones de William Ross.
Grabada y mezclada por Dennis Sands. Editada por Ken Karman.
Album Producido por Alan Silvestri.
Productor ejecutivo para Varèse Sarabande Robert Townson.
Referencias
The Quick And The Dead / Rápida y Mortal (1995)
Película dirigida por Sam Raimi.
Interpretada por Sharon Stone, Gene Hackman, Russell Crowe, Leonardo DiCaprio, Tobin Bell, Roberts Blossom, Kevin Conway, Keith David, Lance Henriksen, Pat Hingle, Gary Sinise, Olivia Burnette, Fay Masterson, etc.
Compositor: Alan Silvestri (1950)
Año de composición: 1994
Fecha de salida: 1994-08-02
Discográfica: Epic /Soundtrax
Impresor: Sony Music (USA)
Referencia: EK 66430
Tracks:
1. "I'm Forrest... Forrest Gump" 02:42
2. "You're No Diffrent" 01:00
3. "You Can Sit Here" 02:27
4. "Run Forrest Run" 02:14
5. "Pray With Me" 00:58
6. The Crimson Gump 01:08
7. "They're Sending Me To Vietnam" 02:24
8. "I Ran And Ran" 01:43
9. "I Had A Destiny" 01:19
10.Washington Reunion 00:46
11.Jesus On The Main Line 02:00
traditional - arranged by Alan Silvestri - soloist: Donny Gerrard
12."That's My Boat" 01:16
13."I Never Thanked You" 00:48
14.Jenny Returns 02:43
15.The Crusade 02:01
16.Forrest Meets Forrest 01:42
17.The Wedding Guest 01:48
18.Where Heaven Ends 01:34
19.Jenny's Grave 01:27
20."I'll Be Right Here" 00:49
21.Suite From Forrest Gump 06:34
Total: 39:23
Créditos
Música compuesta y dirigida por Alan Silvestri.
Orquestaciones de William Ross.
Interpretada por una orquesta de sesión de Los Angeles.
Orquesta contratada por Sandy DeCrescent.
Grabada y mezclada por Dennis Sands. Editada por Kenneth Karman.
Masterizada por Joe Gastwirt.
Album producido por Alan Silvestri.
Reseñas
El innegable talento de Alan Silvestri, al igual que el de tantos otros grandes del mundo de la composición cinematográfica, parece no haber tenido hasta el momento el beneplácito de una Academia de Hollywood que en los últimas tiempos se intuye abonada a premiar lo exótico o diferente, en detrimento de otras obras musicales de mayor calidad a los ojos de no pocos profesionales y aficionados. En este orden de cosas, tan sólo una nominación al mejor score original (aparte de la obtenida por la canción “Believe” de “The Polar Express”) figura en el haber del músico californiano, nominación lograda en 1995 al amparo del éxito mundial del filme que precisamente nos ocupa, ”Forrest Gump”. En aquella gala, Silvestri vería como el todopoderoso Hans Zimmer le arrebataba el Oscar por su simpática -y mucho más comercial- composición para “El Rey León”.
La historia de Forrest Gump, personaje convertido a estas alturas en todo un mito del cine reciente, volvió a unir a una de las parejas artísticas más estables en el panorama cinematográfico actual, Robert Zemeckis y Alan Silvestri, en un relato generacional asentado en la espléndida interpretación de Tom Hanks, mediante el que el director norteamericano realiza un variopinto repaso a la historia reciente de los Estados Unidos, vista siempre a través de los ojos de aquél entrañable retrasado mental que acabará por convertirse en poco menos que héroe nacional.
Un Silvestri asociado casi hasta el encasillamiento a proyectos de contundente violencia sonora o a comedias de cierta ligereza, afrontaba aquí el reto de cambiar radicalmente de registro, en orden a transmitir el necesario halo de inocencia, sinceridad y sentimentalismo con el que Zemeckis deseaba retratar el singular personaje de Gump. A su vez, la música debía plasmar ese insólito recorrido por la existencia del protagonista, proyectándose desde el aspecto externo del personaje, haciendo un especial incapie por tanto en la plenitud de entornos y situaciones dispares que marcarán a la postre sus reacciones ante la vida.
En este sentido, el director concede gran importancia -como es lógico- a las canciones símbolo de cada época (desde un incipiente Elvis Presley hasta el mismísimo Randy Newman); canciones tan abundantes que incluso originaron la publicación paralela de un doble compacto de gran éxito comercial. Por este motivo, el score de Silvestri parece relegado a un segundo plano en cuanto a su duración, más no en lo relativo a su trascendencia dentro del filme. Uso contenido éste de la música incidental, que años más tarde y con muy buenos resultados, explotaría Zemeckis al extremo en su “Náufrago”.
Así las cosas, Alan ahonda con suma intensidad melódica en los sentimientos de Forrest, dibujando sonoridades entregadas generalmente a robustas cuerdas y maderas. Limpia y precisa orquestación de Williams Ross que le sirve al compositor para describir ese tortuoso -y a la par fascinante- camino desde la niñez del protagonista hasta su fase adulta. Precisamente por esto último, es por lo que el score se convierte en un trabajo de excelsa variedad lírica, en el que cada corte funciona prácticamente como tema con auténtica sustantividad propia, sin nexos de unión claramente definidos a excepción de dos motivos claves en el contexto de la soundtrack.
El primero de ellos, no puede ser otro que el dedicado a la figura de Forrest, presentado de modo circular con gran acierto al comienzo ("I´m Forrest... Forrest Gump") y al final de su relato ("I´ll Be Right Here"). Una retentiva melodía, entregada abiertamente a aquél piano de acordes sutiles y directos, que en su posterior desarrollo a dulces cuerdas no trata sino de acrecentar en el espectador la sensación de hallarse ante una historia -y sobre todo, un narrador- plenos de inocencia, sensibilidad y buenos sentimientos.
En cuanto al segundo leitmotiv que unifica en cierta forma el trabajo, encontramos el radiante tema dedicado a la relación de Gump con su eterna amada Jenny, que se nos presenta en el mágico instante en que ambos se conocen en su niñez (“You Can´t Sit Here”). Otro arranque musical de gran belleza que fusiona en sus notas el necesario poso de ternura y romanticismo, entremezclado con cierta sensación agridulce por un amor no correspondido durante años, pero que acaba por imponerse ante la entrega incondicional del protagonista hacia la joven (“Jenny Returns”, “Forrest Meets Forrest”).
Otro de los grandes aciertos radica en que el tono global del score, pese a las dramáticas visicitudes que atraviesa el protagonista durante la cinta, transita por los senderos de un comedido aire bucólico no exento de esperanza, plasmación perfecta de esa particular filosofía conformista de Forrest ante la vida (resumida genialmente en esa imborrable frase alegórica sobre la “caja de bombones”). De esta forma, “They´re Sending Me To Vietnam" o “Where Heaven Ends” conforman cortes que rehúsan el verdadero dramatismo intrínseco a las escenas, en favor de un tratamiento musical sereno en el que priman, con bastante fortuna, las frases apelando a lo nostálgico.
Para los momentos de mayor optimismo de la cinta, Mr. Silvestri nos reserva el único motivo en el que la música abandona ese tono de languidez melódica, para tornar en una interesante muestra de energía rítmica y cierto halo de heroicidad a los metales, descriptiva de las proezas logradas por este entrañable disminuido convertido en todo un ejemplo de coraje y superación. Cortes tales como “Run Forrest Run” o “The Crusade” utilizan ampliamente esta vigorosa textura, mientras que una de las mejores pistas del CD, “The Crimson Gump”, acaba por desarrollarla en formato de apoteósica marcha triunfal, en otro ejemplo más de la profunda riqueza cromática de la partitura.
“Tonto es el que hace tonterias”, según nos descubría Forrest en la película. Pero ni un pelo de tonto demuestra este inspiradísimo Silvestri al ofrecer un soberbio ejemplo de distinción y sensibilidad melódicas que traspasa con mucho los estrechos márgenes de las imágenes, convirtiéndose en un trabajo francamente delicioso en su audición en compacto. Sin lugar a dudas, partitura referencia dentro de la extensa filmografía del autor californiano.
12-mayo-2007
Autor: José-Vidal Rodriguez SCOREMAGACINE
Referencias
Forrest Gump (1994)
Película dirigida por Robert Zemeckis.
Interpretada por Tom Hanks, Robin Wright, Gary Sinise, Mykelti Williamson, Sally Field, Rebecca Williams, Michael Conner Humphreys, Harold G. Herthum, etc.
Compositor: Alan Silvestri (1950)
Año de composición: 1989
Fecha de salida: 1989-08-12
Discográfica: Varèse Sarabande
Impresor: Varèse Sarabande (USA)
Referencia: VSD-5235
Tracks:
1. Main Title 01:30
2. Search The Montana 01:56
3. The Crane 02:01
4. The Manta Ship 06:23
5. The Pseudopod 05:37
6. The Fight 01:47
7. Sub Battle 03:19
8. Lindsey Drowns 04:45
9. Resurrection 01:58
10.Bud's Big Dive 06:10
11.Bud On The Ledge 03:13
12.Back On The Air 01:41
13.Finale 06:47
Total: 47:06
Créditos
Música compuesta y dirigida por Alan Silvestri.
Orquestaciones de James B. Campbell.
Grabada y mezclada por Dennis Sands.
Album producido por Alan Silvestri.
Reseñas
En los años ochenta el nombre de Silvestri sonaba con fuerza en el mundo del fantastique, la saga de "Regreso al futuro" o películas como "Depredador" gozaban del espectacular estilo sinfónico de Alan, con grandes y sonoros temas épicos de grueso orquestal considerable. En 1989 el perfeccionista (y grandiosista) James Cameron llevó a las pantallas las desventuras de un variopinto grupo de "submarinistas-currantes" trabajadores en la explotación minera del lecho oceánico (que, más o menos en la línea "Alien", conservaban la típica "ruralidad" de camionero, pero sustituían el pico y la pala por trajes de buceo y maquinaria hi-tech). La odisea de estos obreros del mar empezaba cuando, en el transcurso del rescate de un submarino nuclear, se topaban con una fuerza superior de origen extraterrestre, de benévolas intenciones y emplazada en lo profundo del abismo que daba nombre al largometraje.
La partitura que desarrolló Alan Silvestri para esta epopeya subacuática, fallida en taquillas, del megalómano Cameron, supone la única colaboración entre compositor y director. Ello es debido, seguramente, a que Silvestri actuó como sustituto de James Horner tras el enfado que éste tuvo con el director en "Aliens", siendo Silvestri un candidato ideal para aportar la gran masa sinfónica que debía escribir el otrora brillante compositor californiano y que necesitaba el nuevo film. Cameron, no obstante, es fiel a quien le ha funcionado bien (tal como demuestran sus tres trabajos junto a Brad Fiedel ("Terminator" 1 & 2, y "Mentiras Arriesgadas" (True Lies), un músico del que se puede decir cualquier cosa menos que sea de renombre), así que la discusión con Horner acabó en posterior reconciliación, ocho años más tarde, con su esfuerzo conjunto para reflotar al famoso transatlántico hundido en la oscarizada "Titanic", por lo que la colaboración con Silvestri se puede deducir que no fue más que una participación esporádica (lo que, sin embargo, no descarta un futuro encuentro con Alan precisamente por haberle resultado, igual que Horner, un músico tan eficaz).
Sea como sea, Silvestri escribió una bella y fastuosa banda sonora que los aficionados a la música de cine aprecian por la diversidad de elementos conceptuales que maneja el compositor, ya que este trabajo destaca por el gran abanico de emociones y atmósferas que evoca la partitura, especialmente interesante en el uso del "silencio sonoro", es decir, del modo de representar el silencio, la quietud y la calma del fondo marino con el uso de la propia música. (el gran acierto en los momentos descriptivos que acontecen en ese espacio "vacío" y silencioso que es el océano, radica en el buen empleo de los recursos del sintetizador -elemento esencial, como podremos ver más adelante, en la concepción musical del film-, y transforman a esta BSO en una singular oda al sosiego que reina bajo el agua).
Abyss contiene, pues, una considerable variedad de enfoques dramáticos y de recursos para llevarlos a cabo: desde lo misterioso a lo maravilloso, desde lo benévolo a lo amenazador, desde la alegría al drama, desde el minimalismo al exceso, desde la más atmosférica relajación y silencio a la más retumbante acción, desde la voz hasta el sonido electrónico, desde lo humano a lo desconocido, esa sinfonía del mar que es "Abyss" tiene una identidad propia dentro de la música de cine.
Sinopsis
"Abyss" cuenta la historia de cómo los tripulantes de la plataforma sumergida "Deepcore", tras el intento de rescate de un submarino nuclear naufragado, se enfrentan a una serie de fenómenos extraños provinentes de una cercana fosa abisal.
La acción empieza cuando un huracán derriba una grúa del barco de apoyo, que está en la superficie, y cae dañando gravemente al "Deepcore". La tripulación queda atrapada e incomunicada, y es a partir de entonces cuando ocurren los fantásticos contactos con una inteligencia "desconocida", que no todo el mundo recibe bien. Uno de los militares que han sido confinados a la plataforma (el teniente Caffey) no aguanta la presión, y tras un brote esquizoide manda una cabeza nuclear al fondo del abismo. El capitán del "Deepcore", Bud Brigman, desciende a la fosa para intentar desconectar la bomba...
"Bud on the ledge"
Bud ha llegado al lecho marino, al suelo de la fosa abisal, ya ha desconectado la bomba pero sabe que no tiene suficiente aire para volver. Un hilo de música aparece progresivamente, suave como la seda, parece un delicado instrumento de cuerda, pero enseguida nos percatamos de la mágica sonoridad de un sintetizador. Unas dulces e hipnóticas notas fluyen líquidas hacia el oído mientras unas pequeñas y brillantes sonoridades, como toqueteos entre diminutas barras de metal, se derraman como reflejos de purpurina; se nos advierte de que "algo" maravilloso está ocurriendo. Los coros femeninos hacen su vaporosa entrada, ese "algo" es una luz que se está acercando a Bud. Las angelicales voces, tal que una caricia acústica, se intensifican hacia un maravilloso y celestial tema que muestra la bondad y la belleza casi divina de esos seres acuáticos, pues esa luz es uno de ellos, una mezcla de medusa y rajada de aspecto humanoide. El ente alienígena cede su mano para acompañar a Bud hacia su salvación. Coros masculinos arropan a los femeninos ensalzando noblemente el momento e insuflando vigor a la escena. La música eleva su fuerza pero sin resultar estridente. Un ligero redoble de tambor y unos platillos introducen a unas alentadoras cuerdas, que con otra leve inflexión del tambor se agudizan empujando la melodía hacia un optimista in-crescendo. El ser arrastra al humano dirigiéndolo al borde de un acantilado submarino, tras el cual, el vacío de agua se llena con una extraña y hermosa luz que tiñe de violáceo la profunda fosa. El tema extraterrestre se eleva hacia un inminente y radiante desenlace, mientras en un impresionante travelling en plano picado, Bud y el acuático ser nadan hasta sobrepasar el borde del precipicio quedando al descubierto, entonces, el origen de la inmensa luz que proviene de abajo... Se alcanza el clímax desembocando en una maravillosa y espectacular explosión musical: unas potentísimas trompetas estallan en el aire junto a poderosos coros, enfáticos platillos, trombones y demás vientos, que representan a una colosal nave luminosa de redondeadas y orgánicas formas, brillando en la oscuridad como una gigantesca y preciosa medusa; la orquesta y las voces subrayan ese momento con toda la fuerza y majestuosidad que poseen. El envolvente y expansivo rugido celestial acompaña al protagonista y a su salvador hasta una estilizada torre en la que penetran por una entrada. Alan sabe perfectamente como impregnar el momento de un sentido de mágica maravilla, de monumentalidad y de trascendencia casi divina, con su portentosa composición nos eleva el espíritu por encima del cuerpo y entramos en un estado de fascinación total. Las notas empiezan a bajar de escala, hay una ligero respiro y un retumbo de tambor, platos y viento grave justo al entrar en la "cueva". El alienígena arrastra a Bud a través de un largo y exótico corredor ondulante, la música refleja esto atrapando al oyente en un dramático remolino, un torbellino musical de severa sonoridad (primero con los coros masculinos, luego los femeninos) que nos engulle en un corto viaje a través de la nave. A las voces se les suman estruendosos vientos y percusión de fuerte presencia (todo ello subiendo progresivamente de volumen y de nivel emocional). De pronto la música se relaja, se calma, es un momento tranquilo y suave, Bud cae casi inconsciente al fondo de una cámara y la partitura lo acuna delicadamente con unos agudos y suaves coros y un decreciente motivo sintético. De pronto el agua se separa en dos bloques y el espacio resultante se llena de aire...
"La música de Alan Silvestri para "The Abyss" es al mismo tiempo explosiva, delicada, emocionalmente intensa, maravillosamente expansiva, misteriosa, agresiva, tierna y eclesiástica. Te transporta más allá de este plano, poniéndote dentro de una mente no humana". Así es como describía James Cameron a la BSO de su filme, y no es para menos, la calidad y, sobretodo, la variedad del trabajo de Alan es bien notable puesto que el tema aquí descrito es sólo la punta del iceberg de la magnífica obra que compuso.
El resto del disco de Silvestri es también altamente recomendable, por su gran valor sinfónico (con monumentales temas orquestales) y por estar en simbiosis perfecta con tracks a base del sintetizador y sus "centelleantes" sonoridades. Sirva como ejemplo de ello las dos confrontaciones del film, una está resuelta con la orquesta (la lucha de minisubmarinos) y la otra con música electrónica (la pelea entre Caffey y Bud (la cual inspiraría a Elliot Goldenthal para el tema 14 de Final Fantasy)), e incluso se mezclan sabiamente ambos terrenos en varias ocasiones. Además Abyss es una de las BSO's donde mejor, y de forma más increíble, lucen las voces humanas. La masa coral que posee el film es uno de los mejores ejemplos de la belleza musical que se le puede sacar al instrumento más primitivo (y a la vez complejo) de la historia de la música.
Pero sin lugar a dudas aquello que más destaca de este trabajo de Silvestri es el antes citado modo de describir el sosiego del fondo del mar. Escuchar un fragmento de ese tipo, es como ver el danzar de una burbuja de aire escapándose siseando, ascendiendo lentamente igual que un globo. Alan crea un espacio atmosférico, hipnótico e ingrávido, la tranquilidad de esos suspiros de las profundidades nos envuelve y nos sumerge en un claroscuro azul, como si el océano fuera un lugar en el que el tiempo no existiera, un remanso de paz como el de un feto suspendido en el líquido amniótico.
Gran parte del éxito de estos momentos reside en el buen uso del ya citado soporte electrónico. Con ello "fabrica" unos sonidos "aflautados", como susurros del mar que se pierden en el eco, y un murmullo amortiguado que recuerda al oleaje rompiendo en la superficie. Casi no hay notas, no se recarga de instrumentos, no hay melodía, pero sí un inteligente uso de instantes en ausencia de música; son momentos llenos de sensaciones. Habría sido un error colocar instrumentos tradicionales porque enseguida habríamos percibido demasiado bien su identidad cultural, su valor humano intrínseco; el sintetizador crea unos sonidos "de fantasía" y pausados que no podemos identificar.
Uno de los momentos en donde esa concepción electrónica de la música tiene una fuerza y una presencia sin parangón ante las imágenes (o mejor dicho, fundiéndose con ellas), es en el tema "Bud's big dive", es decir, la escena en la que el capitán interpretado por Ed Harris baja a por la bomba. Cuando Bud emprende el largo viaje hacia el fondo, la música tiene un acierto total en el modo de "explicar" detalladamente el parsimonioso descenso a las profundidades "solo en esa fría oscuridad", como dice el personaje encarnado por Mª Elizabeth Mastrantonio. Con apenas unos pocos sonidos, una mínima composición y un espléndido manejo de los silencios, la música (o más bien, el acompañamiento sonoro), tiene una fuerza narrativa tremenda, y plasma a la perfección esa sensación de caída libre, "a plomo", sumergiéndonos en ese ambiente extraño, en ese mundo desconocido e inexplorado que son las insondables profundidades del océano. Realmente es el momento más "hechizante" y sugerente de toda la banda sonora. El "descenso musical" a la sima está rodeado por el halo de misterio que provoca la fosa desconocida, y gracias a los recursos sonoros artificiales, Silvestri consigue un tema lleno de hermoso tenebrismo y profundidad, con unos sonidos ambientales de lo más envolventes: susurros sintéticos, agudos silbidos que se disuelven en el eco, ruidos metálicos de fondo, decrecientes bramidos electrónicos, golpes de percusión al estilo "Horniano" de "Aliens" (ese repiqueteo mecánico que se pierde en la lejanía). Seguramente la composición "cósmica" de Alan tenga que ver con ese deliberado enfoque "espacial" con el que Cameron impregna la escena al vestir el personaje de Bud con una sofisticada escafandra, concibiéndolo como si fuera una especie de astronauta que penetra en un lugar "al que ningún hombre ha llegado jamás", como se diría en Star Trek. El compositor refuerza esa analogía "espacial" creando una música que evoca a algo parecido a un "paisaje de otro planeta".
En lo referente a los motivos musicales alienígenas, Silvestri expresa la presencia extraterrestre con una sublime combinación de coros y orquesta, sobretodo en la parte final del film, cuando Bud entra en contacto directo con los seres y se revela el "gran secreto" del abismo. Es especialmente en ese momento donde los componentes de la orquesta dan lo mejor de sí, ofreciendo, para deleite del oído, un magnífico espectáculo de potentes metales, briosas cuerdas, y voces a pleno pulmón. Todo ello para relatar musicalmente los instantes más impresionantes de la aparición de la nave nodriza. Sin embargo para describir a las criaturas en sí, Alan suaviza el tono y opta por una delicada melodía a base de coros femeninos, consiguiendo así música "angelical" para representar "ángeles marinos" (en el resto de la partitura la voz masculina generalmente es usada para el misterio y la grandeza, mientras que la femenina casi siempre lo es para reflejar lo bello y lo maravilloso).
De todos modos las manifestaciones de la presencia alienígena no siempre son mostradas como "algo" hermoso o benévolo, ni tampoco sólo plasmadas con la orquesta. El enfoque musical "extraño", de "otro mundo", de los extraterrestres, tiene su mayor exponente en el tema del pseudópodo. Alan utiliza nuevamente el sintetizador creando unos "agujeantes" sonidos, parecidos a ecos de fricciones metálicas, que emulan a algo así como un "lenguaje" no humano y que casan perfectamente con esa visión subjetiva de la sonda-agua y su mirada líquida.
Mientras que las apariciones musicales de los entes van de lo dulce a lo celestial, pasando por lo maravilloso y misterioso, las de los humanos (en concreto los militares), y sus acciones, son presentados con ominosas percusiones o con registros oscuros (el tamborileo belicista del principio, el tema electrónico de la lucha, o la arrolladora batalla de submarinos), exceptuando, claro está, cuando en lo humano triunfa el amor (citar el tema "Resurrection" o la conclusión con el beso final).
Es curioso comprobar que para los "aliens" se utiliza desde la voz hasta el sintetizador, yendo de lo más primitivo a la tecnología electrónica, y en medio del instrumento más antiguo y el más moderno la orquesta ligándolo todo. También es interesante destacar, en este aspecto, la contraposición acústica entre la austeridad sonora de temas basados en dicho ingenio informático, que intentan describir ambientes o personajes (caso de la paz del fondo marino o el principio del citado tema del pseudópodo), con momentos plenos de vibrante ebullición sinfónica (como los portentosos temas de coro o orquesta de "Bud on the ledge" o "Sub battle").
El amante de la música de cine, y el melómano en general, están de suerte pues, ya que disfrutarán (y sucumbirán) ante los momentos colosales, la composición pomposa y enfática, la melodía eclesiástica y celestial de los alienígenas, la majestuosidad con que se describen las apariciones de las "acuonaves", y, cómo no, la acción trepidante. Sin embargo más allá de la descripción de personajes o de los sucesos en sí, los fans de la BSO encontrarán que "Abyss" también contiene otro tipo de descripción no tan centrada en lo tangible, aquella que nos transmite la importancia del momento, o la que es capaz de sugerir en nuestras mentes las dimensiones de un lugar imaginario y hacernos sentir ese sitio como si estuviéramos allí. Temas como el analizado "Bud on the ledge" o "Bud on the air" demuestran la capacidad de Silvestri para transmitir a la perfección ese aire trascendental y grandilocuente, y esa majestuosidad de algo gigantesco (la nave) en un espacio abierto y enorme (el fondo del mar), "Abyss" posee una sonoridad que abarca un espacio psicológico y emotivo inmenso.
Mucho de esta banda sonora hemos dicho ya, sin embargo una cosa queda clara: hay algo en la música de "Abyss" que nos sugiere la idea de mar, que hace que no la podamos desligar de lo que evoca el concepto: "océano". Es muy difícil imaginar otro lugar que no sea el agua para situar la historia, realmente la fuerza descriptiva y emocional de la partitura solo puede acontecerse en ese medio. La música ensalza perfectamente las imágenes, casa a la perfección con el espectáculo visual creado por Cameron. La sinergia que se crea en los momentos "pausados" bajo el mar, cuando el director se explaya en retratar el silencio del mundo submarino y el compositor lo subraya con su partitura, es simplemente fascinante, las imágenes alcanzan un poderoso magnetismo y convierten al océano en un lugar onírico y muy especial. En "Abyss" cada trombón suena como si el dios Neptuno soplara una gran caracola desde las profundidades, y cada voz nos deleita como si fuera el canto de una sirena. En definitiva, es una BSO absolutamente "acuática".
El Momento: "Bud on the ledge".
Jordi Castellvi Parellada BSOSpirit
Referencias
The Abyss / Abyss (1989)
Película dirigida por James Cameron.
Interpretada por Ed Harris, Mary Elizabeth Mastrantonio, Michael Biehn, Leo Burmester, Todd Graff, John Bedford Lloyd, J.C. Quinn, Kimberly Scott, Chris Elliot, etc.
Compositor: Alan Silvestri (1950)
Año de composición: 1987
Fecha de salida: 2003-08-19
Discográfica: Varèse Sarabande
Impresor: Varèse Sarabande (USA)
Referencia: VCL 0803 1022
Tracks:
1. Twentieth Century Fox Fanfare 00:25
compuesto por Alfred Newman; arreglos Elliot Goldenthal
2. Main Title 03:51
3. Something Else 03:34
4. Cut 'Em Down 01:58
5. Payback Time 02:09
6. The Truck 04:22
7. Jungle Trek 01:48
8. The Girl's Escape 06:00
9. Blaine's Death 02:47
10.He's My Friend 01:26
11.We're All Gonna Die 03:33
12.Building A Trap 03:03
13.The Waiting 03:27
14.The Hunt Is On 04:53
15.Dillon Is Disarmed 02:06
16.Billy Stands Alone 02:35
17.Battle Plans 09:25
18.Wounded Predator 04:13
19.Hand To Hand Combat 03:12
20.Predator's Big Finish 03:42
21.The Rescue and End Credits 04:45
Total : 01:13:15
Créditos
Música compuesta y dirigida por Alan Silvestri.
Orquestaciones de James B. Campbell.
Editada y masterizada por Dan Hersch.
Producido por Nick Redman y Robert Townson.
Edición coleccionista limitada de 3000 copias. Varèse Sarabande CD Club.
Reseñas
Allá por 1987, al magnífico compositor Alan Silvestri aún le faltaba por demostrar su talento en producciones de cierto caché, ajenas a su participación en la exitosa saga “Regreso al Futuro”. No olvidemos que por aquella época, todavía podíamos ver su nombre en filmes de dudosa calidad y trascendencia, tales como “Días Rebeldes”, “El Vuelo del Navegante” o la sonrojante “Delta Force”. En este contexto, Silvestri tuvo la fortuna de enrolarse en dicho año en un proyecto que no sólo catapultó definitivamente su carrera, sino que probablemente figura en su curriculum como una de las partituras más complejas escritas por el newyorkino.
”Predator”, filme a caballo entre la acción militar, el terror y la ciencia ficción, dirigido por el casi siempre correcto John McTiernan a la mayor gloria de Mr. Arnold Schwarzennegger, narra el enfrentamiento en plena selva colombiana de un grupo de soldados de élite yanquis que, tras completar satisfactoriamente una misión contra la guerrilla, deberán de enfrentarse contra un enemigo infinitamente más poderoso e inquietante: una criatura alienígena recién llegada a la Tierra, que irá eliminando, en su calidad de auténtico depredador interplanetario, a los miembros del equipo como si de trofeos de caza se tratase.
Relegada durante mucho tiempo a varios bootlegs de más que honrosa calidad sonora, la partitura original de este ”Depredador” nos confirma no sólo las dotes para el sinfonismo explosivo marca de la casa silvestriana, sino que igualmente constituye una brillante muestra de asimilación narrativa y de sincronía visual, por parte de un autor que acabó por convencer a muchos aficionados con esta obra.
La indudable dificultad del trabajo radica principalmente en dos aspectos estructurales de la composición, de los que Silvestri sale más que airoso: en primer lugar, y como película de acción que no deja de ser, el autor potencia con su música el carácter marcial y temerario de aquél grupo de rudos militares, acudiendo a uno de los temas centrales más célebres de su filmografía, el vigoroso “Main Title”, oscura marcha entregada a la percusión y a los metales, así como salpicada de aquellos ritmos electrónicos incisivos que sirven de base a la frase principal.
Pero ya en los agrestes acordes de dicho tema, Silvestri comienza a sugerir la segunda vía por la que transitará necesariamente su score: la de las sonoridades inquietantes, angustiosas, con las que trata así de equilibrar musicalmente el suspense que invade la cinta tras la aparición de la criatura alienígena (presentada ya al espectador por un violento staccato y posterior devaneo a cuerdas, justo al comienzo del mencionado “Main Title”). Es en este segundo bloque temático, en donde mejor apreciamos la intachable labor de Alan a la hora de dotar al filme de una atmósfera sonora premonitoria, de indudable hostilidad, utilizando distintos -y numerosos- motivos musicales tan breves como eficientes. Por ello, buena parte de los 70 minutos de partitura transitan por los poco agradecidos senderos de la música de corte ambiental, semioculta muchas veces entre los diálogos, en aras de potenciar el terror por lo desconocido. Estilo un tanto ingrato del que Silvestri extrae, como veremos, momentos de notable inspiración.
De esto modo, el autor aplica furiosos ostinatos -a modo de subtemas de persecución-, en cortes como “Payback Time”, “Billy Stands Alone” o el arranque del “Predator´s Big Finísh”, fragmentos todos ellos de ritmos martilleantes y que ejemplifican plenamente la impronta sinfónica del newyorkino. Para uno de los highlights del álbum, el “Jungle Trek”, Alan nos conduce con singular dinamismo por las correrías selváticas de los soldados, utilizando una agradecida percusión electrónica que se verá súbitamente interrumpida por una breve acotación a la marcha central.
Igualmente, la figura del alienígena tiene su plasmación en un motivo entregado a los acordes sostenidos a las cuerdas, claro recurso que apela al tenebrismo y la evocación de la amenaza extraterrestre (“Building a Trap”, “The Waiting”); frase que, dicho sea de paso, sería re-utilizada junto al tema principal, para la secuela del filme estrenada en 1990. En el instante en que Depredador y humano se ven las caras en un combate a cara de perro (“Hand To Hand Combat”), el compositor se abraza ya sin tapujos a la fuerza de los metales y la percusión, enfatizando única y exclusivamente la acción, toda vez que el alienígena ya no es un ente invisible o desconocido para el personaje de Schwarzenegger.
El único instante en que Silvestri se permite acercarse siquiera levemente a lo melódico, relajando el tono abrupto del score, es en el motivo asociado al homenaje de los miembros del equipo que poco a poco van cayendo en las garras del Depredador. Una especie de tema patriótico de rendición a los “caídos”, que tiene su mejor expresión en el solo de trompeta y violines del corte “He´s My Friend”.
Visto lo visto, es obvio que en modo alguno nos hallamos aquí ante una de esas típicas partituras silvestrianas entregadas a la melodía y a la floritura sinfónica, sino que muy por el contrario, el autor asume perfectamente que su música debe servir únicamente como el justo soporte que contextualice ese terror ante lo desconocido (algo similar a lo que haría tres años después en su “Abyss”) y, ante todo, predisponga la tensión del espectador ante los numerosos momentos de suspense que pueblan el largometraje. En este sentido, el compositor acierta de lleno con una obra francamente trabajada que, pese a su marcado carácter incidental, esconde en sus entresijos una importante labor de planificación y sincronía, que no dudo que a Mr. Silvestri le sirvió muy mucho como experiencia para encargos posteriores.
Autor: José-Vidal Rodriguez SCOREMAGACINE
Referencias
Predator / Depredador (1987)
Película dirigida por John McTiernan.
Interpretada por Arnold Schwarzenegger, Carl Weathers, Elpidia Carrillo, Bill Duke, Jesse Ventura, Sonny Landham, Richard Chaves, R.G. Armstrong, Shane Black, etc.